Comment planifier ART LEÇONS, cours de dessin d’art.

Comment planifier ART LEÇONS, cours de dessin d'art.Plan et séquence Résumé
Dans la plupart des cas, j’aime enseigner les parties de cours d’art dans l’ordre suivant:

  • Parlez de la leçon pendant des jours ou des semaines – de bonnes idées se développent au fil du temps. Pensez à utiliser des questions qui rendent les élèves curieux et inspiré. Encourager des idées et des approches individuelles.
  • Distribuer des fournitures (éviter des perturbations plus tard)
  • Donnez votre avis sur quelque chose que nous avons étudiée récemment et présenter le travail d’aujourd’hui. En utilisant des questions lors de l’examen permet aux étudiants de savoir que vous attendez des choses à retenir et utilisés à nouveau.
  • Pratiquer ce qui est nouveau avant que les élèves sont invités à faire preuve de créativité avec elle. Les étudiants qui ont les mains sur la pratique avant le projet sont susceptibles d’être plus confiant et créatif que ceux qui ont aucune idée de ce qu’ils font. Hands-on la pratique et les questions peuvent remplacer de nombreuses démos des enseignants et des exemples qui pourraient freiner la pensée individuelle, l’imagination et la créativité.
  • Présenter l’affectation principale – motiver plus d’une façon. Certains moyens comprennent voir, toucher, goûter, entendre, sentir, jeux, pratiquer un processus, les équipes d’idées concurrentielles, des projets de collaboration, le théâtre, la danse, la poésie d’expérimentation, et la série accidentelle, et ainsi de suite.
  • le temps de l’étudiant sur la tâche – souvent des questions ouvertes de motivation sont utilisés pour aider à enrichir, personnaliser, et de se concentrer idées durant cette période. Si les choses ne vont pas bien, tout arrêter et de recentrer la classe. Si les choses vont bien, il est bon de sauvegarder et de permettre la créativité à l’écoulement.
  • Critique du temps – les élèves peuvent apprendre des approches de la critique à la fois positive et découverte basée qui encouragent l’apprentissage sans éteindre ou décourager les participants.
  • Endings et connexions (discuter histoire de l’art connexe et de l’art dans leur vie) – Revue quelle a été appris et Comment ils ont appris. Comment nous apprenons dans l’art de studio est souvent tout à fait différente que dans les autres classes.

Configuration et préfigurent les prochaines sessions pour activer la pensée, l’esquisse, la journalisation, la pensée subconsciente, et des idées.

L’ordre dans lequel les choses se font en dit long sur la philosophie de l’enseignant de l’éducation.

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    Voir le même âge étudiant 5 auto-portrait. Les travaux de la même personne à l’âge de 3. Un article de 2005 citant David en tant que scientifique adulte réflexion sur la façon dont les expériences de l’art de l’enfant aident à développer la pensée créative long de la vie.
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"Je joue au tennis avec mon Père"
d’origine est de 3,25 x 5,25 pouces
par David, 9 ans, feutre stylo sur le papier journal. Il est tiré de Mémoire de l’expérience réelle. Une route à côté du parc est représentée au sommet. Notez l’arbre à côté du terrain de tennis est représenté comme une forme négative contre l’herbe en arrière-plan.

Que savez-vous sur les étudiants qui vont influencer votre planification?

    Quels sont les plus pertinents pour la leçon que vous envisagez?

1. Niveau de leurs compétences en art:

De bonnes leçons d’art ont besoin de la difficulté à être difficile, mais il faut être assez facile à éviter une trop grande frustration. compétences d’art sont des choses comme: dessin d’observation, la capacité à faire de l’argile faire ce que vous voulez qu’il, la capacité de fabriquer des outils et des matériaux font ce que vous voulez, et la capacité à utiliser activement l’imagination. Est-ce que votre leçon est assez facile de sorte qu’ils ne sont pas découragés? Est-ce que les étudiants soient contestés assez pour garder leur intérêt? Les compétences sont apprises par la pratique. Les meilleures leçons sont ceux qui incluent la formation pratique en collaboration avec les constructeurs d’intérêt qui motivent l’auto initié la pratique des compétences.

Imaginatif pensée ne peut pas être considérée comme une compétence, mais il est une compétence plus fondamental que la plupart des compétences de l’art. Les professeurs d’art et les enseignants d’écriture sont en bonne position pour aider les étudiants conservent, la pratique, et de développer leurs pouvoirs d’imagination. Imagination qui nous rend humain, encore beaucoup de devoirs scolaires semblent être conçues pour décourager l’imagination. Chaque projet d’art doit être au moins partiellement évalués sur la base de son effet sur l’attitude des étudiants envers, et la capacité à utiliser, leurs compétences d’imagination. Pour l’école souvent éteint la pensée divergente d’un enfant et l’étincelle d’imagination parce que beaucoup de travail scolaire est centrée autour de l’apprentissage de la bonne réponse. Dans l’art, l’enfant peut continuer à croire qu’il ya souvent beaucoup de réponses et que les limites sont souvent très artificielle. Notre capacité imaginative et spéculer est l’une des compétences de base qui nous donne l’étincelle humaine. L’éducation devrait enflammer plutôt que de l’éteindre.

2. Leur prise de conscience du monde de l’art:

De bonnes leçons d’art examiner les connaissances de l’art antérieur. Quel artiste son travail vous pouvez consulter et attendre les étudiants de savoir ce que vous parlez? Quels exemples historiques sont familiers? Quels sont les exemples d’autres cultures sont familiers à vos élèves?

3. connaissance Art / vocabulaire:

Quels termes art nouveau vos élèves savent, ont besoin d’un examen par une utilisation régulière, et ont besoin d’apprendre par votre introduction avec cette leçon? Quels sont les principes de conception savent-ils ou ont besoin d’apprendre? Comment sont-elles bonnes à analyser les téléspectateurs des effets de l’art de manière?

4. Attitude et motivation:

Comment beaucoup d’enthousiasme les élèves montrent pour l’apprentissage de nouvelles compétences, pour la pratique des compétences de routine, de nouveaux concepts, pour apprendre les stratégies que les artistes utilisent? La plupart des étudiants veulent bien faire. La chance de maîtriser quelque chose ou au moins voir qu’ils améliorent, a un effet très positif sur l’attitude et la motivation. Certains élèves ont l’idée erronée qu’ils ne peuvent pas bien faire dans l’art parce qu’ils ne sont pas doués. La capacité est principalement le résultat d’une pratique efficace. Le travail des professeurs d’art est de rendre les choses difficiles assez facile à éviter une trop grande frustration, et de rendre les choses faciles assez pour ne pas être ennuyeux défi. Il nous appartient de savoir comment les compétences de l’art peuvent être pratiquées de manière à produire des améliorations notables dans la maîtrise.La reconnaissance de l’amélioration de la maîtrise est l’une des motivations les plus fortes dans les classes d’art. Ceci est une raison d’avoir des critiques et des expositions de travaux d’élèves.

Qu’est-ce que vos élèves connaissent les fins de l’art dans le monde et dans leur vie? Lorsque les élèves se sentent que ce qu’ils font a un but au-delà eux-mêmes, ils sont beaucoup plus susceptibles d’être inspiré à travailler dur pour bien faire. Certaines des nombreuses fins de l’art peuvent être examinés comme ils se rapportent à chaque leçon.

La motivation est généralement plus forte lorsque les élèves se sentent propriétaires dans leurs idées. Cela signifie que doivent avoir un mot à dire dans des choix importants faits. Quand il est leur choix, ils sont plus enclins à travailler dur parce qu’ils sont plus susceptibles de se soucier de lui. Les étudiants les plus ennuyés que j’ai vu sont ceux qui travaillent sur une mission qui a été clairement défini, mais il y avait très peu de place pour des idées personnelles, très peu perçue raison de ce qu’ils faisaient, et aucune idée de ce qu’ils apprennent en faisant l’oeuvre. Ils travaillaient lentement pour essayer d’obtenir une note de passage.

Daniel Pink écrit sur la motivation des travailleurs dans le monde des affaires. (Rose, 2009) La classe d’art de studio est une culture de travail de l’apprentissage. Les élèves apprennent en travaillant sur des projets artistiques. Rose dit que la motivation intrinsèque des employés est basée sur l’autonomie des travailleurs, la possibilité pour la maîtrise, et ayant un but au-delà de soi. Ceux-ci sont plus importants que le taux de rémunération. À l’école ce sont plus importantes que les qualités. Est-ce que chaque leçon d’art comprennent l’autonomie, la maîtrise, et le but? Plus de détails sur la motivation (ci-dessous)
Enseigner la leçon au haut de la page

5. Art niveau de développement:

Vos étudiants font des images typiques, sculptures, et ainsi de suite pour leur âge? Combien sont plus avancés et combien sont moins avancés que prévu pour leur âge? Comment cela pourrait-il être abordé dans cette leçon? Le classement ne repose pas sur ce qui est connu à la fin, mais sur la base de ce qui est appris du début à la fin. L’apprentissage est basé sur ce qui change, pas sur ce qui reste le même. Est-il juste de donner une meilleure note à celui qui le savait déjà avant la leçon et a fait très peu de progrès? Ou, si les meilleures notes aller à des étudiants qui ne savaient pas, mais utilisé le projet d’apprendre de nouvelles choses et acquérir de nouvelles connaissances? Si nous pouvons correspondre à la difficulté au niveau de développement, nous sommes plus enclins à contester sans frustration excessive.

Quel est le plus important pour vos élèves d’apprendre dans cette leçon?

  • PLAN BACKWARDS. Première S ummarize l’art spécifique compétences à développer, spécifique la connaissance de l’art à apprendre, et attitudes être encouragée. Ce sont les buts et objectifs de la leçon (ou unité). Les bons enseignants écrivent souvent l’examen final en premier. Certains appellent cela la planification en arrière. Alors que nous écrivons ceci, nous commençons à imaginer des idées sur la façon dont ces choses peuvent être apprises. Même quand aucun examen réel est prévu, nous faisons la même chose. Nous identifions ce que nous voulons arriver à l’étudiant à la suite de la leçon, l’unité, ou l’année.
  • Quelques leçons peuvent se concentrer davantage sur le renforcement des compétences, d’autres peuvent être conçus pour encourager l’imagination et la créativité, et certains peuvent mettre l’accent sur l’apprentissage des principes de conception et des éléments d’art (structure de l’art). Certaines leçons peuvent surtout enseigner aux élèves les approches de style. Chaque leçon peut se terminer par un monde de l’art et / ou des exemples du monde réel qui examinent et appuient sur le cadre de référence fourni par la leçon. En fait, l’une des meilleures façons pour un enseignant pour obtenir une bonne leçon ou une idée de l’unité est de prendre une grande œuvre d’art et de déconstruire le processus de création et les stratégies utilisées par l’artiste (s) qui a créé le travail. Ce procédé permet d’obtenir une variété incalculable de façons d’aborder la créativité et la matérialisation des idées dans l’art visuel. Voir aussi l’ingénierie inverse.
  • CONSEIL – Affichez la liste des objectifs et des stratégies créatives apprises dans le hall ou dans le cas d’affichage à l’écran des travaux terminés. Il aide les autres enseignants, les parents, et d’autres élèves à comprendre la dynamique de l’apprentissage dans l’art.

Plan de A ction
ENSEIGNER LE A RT L ESSON (ou unité)
S’il vous plaît noter la séquence de ces activités
Marvin Bartel – 1999, 2001 mis à jour septembre 2010
Un exemple Leçon avec toutes les parties est à ce lien.

  • préfigurer la leçon
  • distribuer des fournitures
  • la revue
  • présenter
  • matériaux pratiques et processus – idées sujet – composition – style – observation
  • motivation
  • mission principale
  • temps sur la tâche
  • impulsivité
  • auto sceptiques
  • comment aider
  • terminaisons
  • les liaisons
  • licenciement avec effet
  • Post Script
  • contour (bref résumé)
  • qui sont les apprenants? PRE-LEÇON Préfiguration
    En règle générale, il est préférable d’éviter les étudiants surprenants avec quelque chose qu’ils ne sont pas préparés. L’esprit est une machine d’imagination incroyable et puissant. idées artistiques se développent au fil du temps dans l’esprit de l’artiste. Il arrive quand on dort, quand nous mangeons, quand nous regardons la télévision, quand on parle à des amis, quand nous rêvons, et ainsi de suite. Dans les études sur le cerveau, l’imagerie cérébrale montre que notre hippocampe devient actif lorsque nous dormons et quand nous ne pensons pas à quoi que ce soit. L’imagerie cérébrale montre activement sur lui-même sans notre conscience. (. Buckner 2010) Il imagine des scénarios futurs. Tout comme préfigurant dans un roman stimule notre imagination de prévoir plusieurs scénarios passionnants, leçon d’art préfiguration amène les élèves à imaginer et d’anticiper, imaginer leurs propres idées. D’autre part, les idées ne sont pas aptes à nous frapper si on n’a pas encore mis l’accent sur un problème artistique. Les professeurs d’art aident les élèves à apprendre cette compétence par préfigurant intentionnellement les prochaines missions et poser des questions qui prime les hippocampes des étudiants. Les étudiants sont invités à tenir un journal des idées qui viennent à eux quand ils ne pensent pas à la cession.

Quels sont les moyens que vous pouvez laisser présager une leçon d’art? Énumérer quelques-uns avant de lire les exemples que je vous donne dans le paragraphe suivant. Voyez combien de scénarios laissent présager une leçon d’art votre esprit peut imaginer. Si l’un de vos idées sont différentes de celles que je liste dans le paragraphe suivant, qui est tout simplement parfait. Vous avez été exceptionnellement créatif, tout comme vous voulez que vos élèves à être créatifs.

D’accord, voici mes idées. Voir s’il y en a que vous voulez ajouter à votre liste. Voyez si vous pensiez que des choses me manquaient.
1) Dans la partie supérieure du tableau blanc en face de la salle, l’enseignant fait une pratique de posant une question qui préfigure un futur projet d’art.
2) L’enseignant donne une affectation de sketchbook qui fournira des idées à utiliser pour les oeuvres futures. Peuvent-ils deviner ce que l’affectation sera? Qu’est-ce qu’ils veulent que ce serait?
3) Les élèves ont nettoyé et sont en attente au cours d’une dernière minute avant que la cloche sonne. L’enseignant leur demande trois questions et raconte la classe que ces questions sont liées au contenu d’une mission qui est de deux semaines à l’avenir.
4) La classe est dit que certains des devoirs pour l’art est de garder un revue de notes sur les idées d’art à faire en classe d’art. On leur dit que ces idées surgissent à tout moment, et nous avons besoin de les noter immédiatement.
5) L’enseignant prend du temps une fois par semaine pour demander aux élèves de partager leur inattendue ‘Pop up’ idées avec le reste de la classe.
6) l’inspiration de l’art provient de l’observation, de l’expérience et de l’imagination. Déménagement entre ces trois sources aider les étudiants esprits restent souples et et créatifs dans leur façon de penser.

Si je raté un qui vous plaît, envoyez-moi un e-mail (s’il vous plaît inclure l’adresse Web ou le titre de cette page).

Je ne montre pas des exemples de ce que je pense qu’ils devraient faire. Pour ce faire, pourrait donner lieu à l’imitation et une perte d’appréciation pour leurs propres idées. Haut de page

1. ART FOURNITURES
Commencez par avoir la classe à s’installer avec autant de matériaux de travail à leurs endroits que possible. Cela se fait d’abord pour éviter la nécessité d’interruptions, agitation, et se déplacer une fois qu’ils se concentrent sur les tâches à accomplir.

Beaucoup de professeurs d’art développent une routine ordonnée où les étudiants sont attendus pour ramasser ce qui est nécessaire car ils entrent dans la salle avant de se rendre à leurs sièges. S’ils attendent de voir une liste affichée ou une feuille de papier sur leur table, ils peuvent obtenir les choses comme elles viennent dans la pièce. Certains enseignants attribuent des tâches à certains élèves d’apporter des fournitures afin de limiter les mouvements de foule. Certains enseignants retiennent un élément simple afin d’empêcher les étudiants de démarrer avant qu’ils aient la motivation, l’accent, et des instructions pour la leçon. D’autres enseignants fournissent des instructions écrites pour la première activité d’apprentissage afin pas verbal les instructions sont nécessaires pendant que l’enseignant prend les présences, etc.

2. OUVERTURE WARM UP
À ce stade, certains enseignants établissent un rituel de début ou d’échauffement. Il attire l’attention et accorde à l’art. A quelques minutes de calme dessin de contour pourraient servir comme un warm-up de routine et de fournir une chance de pratiquer une compétence de l’art. L’enseignant a un temps pour prendre les présences tandis que les étudiants sont à la tâche. Certains enseignants ont une boîte dans le centre de chaque zone de travail avec "Aujourd’hui, les objets" à la pratique de dessin pour les premières minutes que les étudiants installent pour la classe. Les instructions sont sur la carte ou sur les tables.

3. EXAMEN et INTRODUIRE
Une session d’examen courte est toujours appropriée au début de la session. Demandez aux élèves des questions sur les concepts clés et l’art du vocabulaire appris dans une leçon récente. Voir si elles peuvent rappeler les concepts récemment étudiés et les aider à comprendre comment les idées et les compétences seront les aider avec cette leçon.

4. LEÇON INTRODUCTION
présenter brièvement les objectifs et les enjeux de cette leçon. Concentrez leur pensée afin que les idées ont une chance d’émerger au cours de leur temps de préparation. Attendez de donner les instructions détaillées jusqu’à ce qu’ils soient prêts à travailler sur le projet de leçon principale.

Il y a de bonnes raisons pour éviter de montrer des exemples de ce que les élèves sont censés produire. Pour les raisons de ce sujet, voir la liste des Neuf classe Créativité Killers . Les numéros 1, 5, 8, 9 et parler directement aux exemples de motifs ne sont pas représentés au début d’une leçon d’art. Exemples d’Histoire de l’art sont présentés près de la fin de la leçon.

5a. PREPARATION pour m atières utilisé
Pour citer un enfant de maternelle, "Vous ne pouvez pas ne sait jamais comment le faire avant que vous ne l’avez fait auparavant." Les élèves ont besoin de savoir comment les matériaux et les processus de travail afin d’être créatif avec leurs interprétations du contenu et la conception de leur travail. Si elle est un nouveau processus, il est juste de permettre et attendre d’eux ont une session préliminaire de la pratique.

Cette partie de la leçon pourrait avoir un certain temps pour "s’amuser" avec des matériaux pour voir ce qui ressort par accident. Limiter le temps pour cela. Dès que les étudiants cessent d’être impliqués dans une recherche, se déplacent à une activité structurée. Je peux être utile à ce moment pour demander aux élèves de partager leurs découvertes.

Exemple: La classe est sur le point de faire un projet où le milieu sera aquarelles transparentes sur une composition de crayon. Donnez à chaque enfant de cinq petits morceaux de papier et quelques minutes pour tester cette combinaison de matériaux permettant une séquence quelconque et toutes les combinaisons de couleurs sur plusieurs petits morceaux de papier.

Présenter quelques instructions soigneusement planifiées étape par étape sur le processus. Ceci est généralement pas une manifestation des enseignants, mais les mains sur l’apprentissage participatif. Chaque étudiant suit le long de l’utilisation de matériaux d’art. Cette partie de la leçon est pas de l’art, il est des compétences de l’art ou l’artisanat soigneusement présenté par l’enseignant. L’art suit immédiatement lorsque les étudiants sont responsables de leurs propres idées et le travail tout en faisant la partie principale de la mission.

Exemple: La classe est sur le point de travailler avec dessin B6 crayons. Celles-ci ont graphite souple qui permet de très audacieux noir. Avant d’utiliser ces crayons pour le dessin, ont en faire les lignes environ cinq pouces de long suivantes.

  • Demandez-leur de faire un ligne continue très très sombre environ 5 pouces de long avec un seul mouvement. UNE continu la ligne est faite avec un seul mouvement – pas démarrer et arrêter.
  • Demandez-leur de faire une ligne similaire, mais il est d’être donc la lumière qui est presque invisible .
  • Demandez-leur de faire une ligne continue similaire qui a une obscurité (valeur ou tonalité) à mi-chemin entre la ligne sombre et la lumière (un ton milieu).
  • Demandez-leur de faire une ligne qui a une demi-valeur chemin entre l’obscurité et la ligne mi-ton.
  • Demandez une ligne qui est à mi-chemin entre la lumière et la ligne mi-ton.
  • Demandez si elles peuvent faire une ligne qui est continue (jamais arrêter), mais il ne cesse de changer et d’obtenir plus léger et plus sombre comme il va sur le papier. Pratiquez plusieurs fois.
  • Demandez-leur d’étudier toutes ces lignes et décrire où ils se trouvent dans l’espace. Ce qui est plus proche? Ce qui est plus loin? Ce qui se passe à ceux qui ont des pièces à la fois claires et sombres? Si un dessin ont de nombreux types de ligne ou tout simplement une sorte de ligne? Pourquoi? Haut de page

    L’enseignant peut demander, "Pourquoi pensez-vous des artistes essaient d’utiliser certaines lignes qui sont très sombres, certains très léger, et d’autres qui sont de taille moyenne?" À moins que les étudiants pensent activement pourquoi ils font des choses, ils oublient souvent d’utiliser ce qu’ils apprennent. Quand ils commencent à y œuvre, ils peuvent encore revenir à des habitudes perméables à moins qu’ils sont rappelé à cette "Pourquoi" question à nouveau pendant qu’ils travaillent. Quand une leçon d’art commence à changer les habitudes de pensée, les élèves enlèvent des avantages qui sont bons pour toute leur vie. Penser à utiliser un caractère de ligne variée pour atteindre la dynamique de composition peut ne pas sembler une grosse affaire, mais il est un exemple de la façon dont tous les sens habituel de travail doit être ouvert à de nouvelles alternatives.

    Être ouvert à de nouvelles alternatives est également vrai de nos méthodes d’enseignement. Je me souviens d’un professeur d’étudiant qui avait attentivement observé comment un professeur d’art a fait de nombreuses suggestions chaque fois qu’un étudiant a demandé des conseils. Il aurait été préférable d’être en utilisant des questions ou l’encadrement des étudiants d’expérimenter et d’apprendre à trouver des idées pour eux-mêmes. Quand je l’observais pendant l’enseignement des étudiants, elle aussi faisait beaucoup de suggestions. Dans notre conférence, je lui ai demandé tout simplement si elle se souvenait de son observation du semestre avant. La prochaine fois que je l’observais, elle se souvint d’utiliser des questions qui ont encouragé ses élèves à réfléchir plus pour eux-mêmes et à devenir moins dépendante de ses idées.

    Si possible, faites ne pas faire une démonstration pour les étudiants à regarder. Il est généralement plus efficace de les avoir chacun activement faire un petit échantillon du processus eux-mêmes. démonstrations d’enseignants pourraient être utilisés si ce serait trop dangereux ou trop complexe à expliquer d’une manière étape par étape alors qu’ils le font tous. Quand une manifestation est la seule façon que je sais d’introduire une procédure, je tente de le suivre immédiatement avant la pratique de compétences avant d’exiger toute œuvre d’art à être produit avec un nouveau processus.
    5b. PREPARATION pour t TOPIC et des s ous réserve m atière utilisé
    Presque tous les projets d’art comprend sujet. Si la composition doit être nonobjective, vous passez à la section suivante, 5c. Préparation pour les choix de composition. De nombreux enseignants utilisent le sujet de motivation liée aux intérêts des étudiants, des expériences et des préoccupations. Envisager le développement des élèves. Les enfants plus jeunes sont plus égocentriques et répondent à "je" et "ma" sujets tandis que les enfants du primaire âgés sont très intéressés par des sujets et des activités d’identité de groupe.

    Parfois, les enseignants estiment qu’il est plus créatif pour permettre aux étudiants d’avoir la liberté complète de statuer sur tout sujet. Cela peut présenter plusieurs problèmes. Si les enseignants dit, "Faites ce que vous voulez pour objet," la plupart des étudiants font tout simplement ce qui était facile et réussi dans le passé. Cette approche de faire lassie implique également que le contenu est sans importance et sans importance. Je pourrais dire, faire ce qui vous passionne, mais essayer quelque chose que vous ne l’avez pas essayé récemment. Ou, je pourrais dire, si vous répétez quelque chose, il doit y avoir quelque chose a changé de sorte que lorsque vous avez terminé, vous pouvez comparer et apprendre ce qui fonctionne mieux.

    leçons d’art ont besoin pour aider les élèves à apprendre des façons de venir avec un contenu significatif et important pour leur travail. Comment pouvons-nous nous attendre à la propriété et la motivation si le contenu est banalisé?

    Tout le contenu de l’art provient de trois sources: Observation, mémoire. et / ou Imagination. Leçons en matière d’observation sont importants pour la formation des compétences de l’élève. Voir ce lien pour obtenir une liste des moyens utiles pour aider les enfants à apprendre compétences d’observation. Cette page Début Rituels décrit la pratique de l’observation attentive. Ce lien traite de la nécessité humaine de donner ordre esthétique à notre monde. Haut de page

    Mémoire est riche si elle provient d’une riche expérience. Nous nous souvenons de ce que nous remarquons. Quand un enfant est fasciné et absorbé dans une expérience, ce sera un plaisir de se rappeler et de l’exprimer. Les enseignants et les autres peuvent encourager la curiosité et la sensibilisation. Les enseignants, les parents, et d’autres peuvent faire un point de poser de nombreuses questions de sensibilisation avant, pendant, et après des excursions et des activités similaires. "Pourquoi pensez-vous que la girafe a un tel long cou?" "Quelle forme (couleur) sont les taches?" "Certains sont-ils une forme différente?" Certains croquis sur place peut être fait. Dans la classe, il peut être développé dans un plus grand dessin, peinture, collage, diorama, et ainsi de suite. Les étudiants doivent être informés à l’avance de la visite sur le terrain que ce sera la base pour les illustrations. Cette prise de conscience augmente, l’attention, et les observations pendant la sortie.

    Imagination nous donne une puissance incroyable. Il est ce qui nous permet de spéculer sur l’avenir. Il nous permet d’imaginer ce que les autres pensent de nous et comment nos actions pourraient effectuer d’autres. Il nous permet de penser à d’autres façons d’agir. Art, écriture créative, contes, jeux de simulation, théâtre, chansons, etc. nous permettent de pratiquer et de développer nos pouvoirs de l’imagination.

    Nous devons augmenter le nombre de façons que nous enseignons le développement de nouvelles idées pour des oeuvres d’art. Voici quelques moyens utilisés par les professeurs d’art et des artistes pour aider à décider contenu pour un projet artistique. Ceux-ci peuvent être utilisés pour l’observation, la mémoire et / ou de l’imagination. Nous pouvons encourager nos étudiants à pratiquer ces méthodes.

    • Les élèves choisissent le meilleur contenu et les idées de croquis passées
    • Les élèves font une série de nouvelles esquisses traitant de soi-même ou avec un autre sujet intéressant.
    • Les élèves développent de longues listes d’attributs sur eux-mêmes – alors partager les listes avec leurs pairs et ajouter à cela, les trier, etc.
    • Les étudiants liste de leurs activités quotidiennes, leurs routines de week-end, leurs activités d’été, leurs fêtes de famille et d’événements, leurs héros, leurs peurs, etc.
    • Les élèves répertorient les meilleurs et les pires attributs de leurs quartiers, l’environnement et les institutions sociales et les questions.
    • Les élèves répertorient les meilleurs et les pires attributs d’un produit qu’ils conçoivent, les usages et les fonctions du produit, les utilisateurs du produit, les matériaux utilisés pour fabriquer le produit, et les procédés utilisés pour fabriquer le produit.
    • Les enfants aiment les jeux de rôle, des histoires, des poèmes, et ainsi de suite. Ces activités peuvent être utilisées pour favoriser la richesse de l’imagerie dans leur travail. Lorsque les enseignants utilisent des histoires ou la poésie des livres qu’ils devraient ne pas montrer les illustrations à moins qu’ils veulent ruiner la leçon d’art pour les étudiants. Les illustrations peuvent être partagées après les enfants ont fait leur travail créatif
    • Enseigner le développement des idées en fournissant plus de temps et plus d’événements préliminaires à se concentrer sur le problème avant que le temps de se prononcer sur une idée. Attribuer devoirs tels que des croquis qui mettent l’accent sur la recherche de sujets et d’idées pour une prochaine leçon. Les artistes sont souvent impliqués dans de nombreux projets à la fois. Envisager de lancer plusieurs missions et encourager les élèves à attendre leur subconscient à venir avec des idées au fil du temps. Exiger des entrées de journal pour ne pas oublier les idées avant qu’elles ne soient nécessaires.

      5b. PREPARATION D omposition esign et c
      leçons d’art ont besoin pour aider les élèves à apprendre des façons d’utiliser les éléments visuels et les principes de la conception à la réalisation des effets qu’ils veulent exprimer dans leur travail. Une bonne conception cherche généralement l’unité, l’harmonie et une bonne intégration des divers effets visuels. D’autre part, il a besoin d’un fort intérêt, l’accent, la répétition, la variation, le mouvement, l’émotion et le contenu expressif.

      Envisager des activités de motivation spéciale pour enrichir leur cadre de référence pour les projets de travail des médias créatifs. Celles-ci pourraient être des exercices sensoriels pour les rendre plus conscients de la texture, le ton, la teinte, la taille, la profondeur, l’intensité ou d’une autre qualité visuelle appris.

      esquisse préliminaire et la planification sur papier séparée sont un excellent moyen pour les étudiants de se préparer pour le projet principal. Pour de nombreuses leçons qu’il convient d’exiger une planification préliminaire. Il est également une chance de les aider à apprendre à propos de la qualité en les aidant à apprendre des façons de discerner leurs meilleures idées et les meilleures façons d’organiser leurs compositions.

      5c. PREPARATION des approches stylistiques
      leçons d’art peuvent aider les élèves à apprendre des façons de comprendre et de développer le style dans leur travail. Cela peut sembler difficile à faire sans montrer des exemples de travail des artistes. Cependant, il existe de nombreux exemples de style individuel dans d’autres domaines de la vie de nos étudiants qu’ils comprennent déjà. Ils connaissent le style dans la musique, dans les vêtements, dans la salle, dans les cheveux, en écriture, dans les voitures, et ainsi de suite. Tous ces domaines ont sont grandes catégories, ainsi que des variations individuelles. Nous ne développons pas un style personnel si la copie de travail ou même en imitant le style de quelqu’un d’autre.

      La plupart des artistes matures tomber dans l’une des quatre grandes catégories, mais aussi avoir un style reconnaissable très individuel au sein de la catégorie plus large. La plupart des styles d’art relèvent de réalisme (naturalisme), l’expressionnisme, le formalisme (y compris le minimalisme), ou le surréalisme (fantastique).

      Les étudiants expérimentent souvent avec plusieurs styles. Idéalement, nous voulons que les étudiants qui peuvent expérimentalement développer des styles originaux plutôt que des étudiants qui imitent ou copient les styles établis. Comme il peut prendre des années et de nombreuses œuvres avant un artiste peut être prévu d’avoir un style distinctif mature, les étudiants sont encouragés à expérimenter avec le style, la recherche de moyens efficaces pour obtenir des résultats. Dans les expériences suivantes, chaque étudiant est susceptible de voir émerger un style individuel.

      Des expériences préliminaires dirigées vers le style peuvent inclure:

      • L’écoute de courtes sections de plusieurs styles très différents de la musique. Les étudiants peuvent faire 30 deuxième sessions marque de prise en réponse à contraste des sons de musique et des rythmes.
      • En utilisant un marqueur noir, chaque étudiant signe leur nom sur le papier. Comparez-les.
      • Réaliser une série de lignes descriptives sur le papier comme, "calme et nerveux" "valsant et trébuchant" "course et la natation".
      • Remplissage des textures dans des boîtes pré dessinés. Ne pas laisser des images ou des sujets. Demandez aux textures représentent des bruits qui ne peuvent pas être identifiés de sorte que chaque étudiant devra écouter la texture du bruit.

        Périodiquement, au cours de ces expériences, le professeur souligne que chaque personne est de trouver une façon unique de faire cela. Toute personne finalement, avec beaucoup d’expérimentation et de pratique, développe leur propre "position esthétique" et leur propre "style de signature". Les grands artistes ne sont pas grands parce qu’ils ont appris à copier ou imiter un autre style. Les grands artistes sont grands à cause de ce qu’ils contribuent.

      • Récemment, on m’a enseigné cette première fille de qualité qui voulait faire un dessin d’une théière, elle avait choisi dans mon studio.

        J’ai dit, "Quand je dessine quelque chose de nouveau, je tiens à vous asseoir et regarder toutes les formes et les lignes avant que je commence. Quand je regarde cette partie (pointant vers le haut) de la poignée, je remarque que le sommet est ici plus tour, quand je regarde cette partie ici je remarque qu’il est presque comme une ligne droite. J’aime aussi regarder la taille des différentes parties sont, et comparer la taille de la poignée et le bec, ou la taille de la poignée et le ventre du pot. Je me plais à imaginer chaque ligne avant que je dessine."

        Je ne tire pas d’exemples parce que je ne veux pas que les enfants observent mon dessin quand ils ont besoin d’apprendre à observer le sujet. je faireparler de dessin expériences. Je sais que les enfants ne parviennent pas à apprendre parce que l’ont peur d’échouer. Par conséquent, je parlais de toutes les erreurs que je fais quand je dessine quelque chose. J’ai dit, "Habituellement, je dessine une ligne, mais après je dessine, je peux remarque que cela aurait dû être un peu de forme différente ou un peu de taille différente, mais je ne l’efface pas tout de suite. Je laisse tout simplement et je tente une autre ligne. Quand je suis fini, je pourrais revenir en arrière et effacer quelques erreurs. Mes erreurs sont bonnes parce que j’apprendre à mieux voir d’eux – ils sont mes lignes de pratique. Chaque fois que nous essayons quelque chose de nouveau nous nous attendons à faire des erreurs, mais avec la pratique, nous obtenons de mieux en mieux."

        Elle était visiblement satisfaite de sa propre réussite. Dans celui-ci dessin de la théière, elle a déménagé de la "schématique" l’étape de simplification géométrique de la "réalisme naissant" étape dans son dessin. Elle a maintenant un fondement de base pour apprendre à observer. Elle peut maintenant tirer tout ce qu’elle veut (avec observation similaire et de la pratique). Avec assez de ce type d’enseignement et de la pratique dans la première année, elle peut être épargné de la crise de confiance que l’expérience de nombreux enfants de troisième année.

        Le problème avec beaucoup de livres d’instruction de dessin est qu’ils prescrivent des raccourcis et des formules qui donnent le succès sans aucune observation réelle. Sans développer beaucoup de talent, ils remplacent la motivation pour réellement apprendre. la pratique de l’observation et beaucoup plus de liens sur l’enseignement du dessin peuvent être trouvés ici. Les enseignants qui enseignent le dessin par dessin pour les enfants ne sont pas dirigent leur esprit à la tâche d’apprentissage à droite. La tâche consiste à ne pas reproduire un dessin. Si la tâche d’apprentissage est d’imaginer et de créer un dessin en observant le monde réel, l’enfant apprend à tirer quoi que ce soit – non seulement la chose spécifique enseigné. Haut de page

        6. Définir et commencer le projet principal

        G ive ou de revoir l’explication détaillée de la mission. Soyez sûr que les instructions sont bien comprises, et ils se sentent à l’aise sur vos attentes. Leur donner les moyens de créer. Définir les limites pour encourager la résolution de problèmes, mais permettre à la propriété individuelle d’idées et de travail. Expliquer les principaux points que vous prévoyez d’évaluer. Ce lien a une rubrique de classement des œuvres d’art. Certains enseignants font une affiche avec leurs points d’évaluation. Certains utilisent un document.

        Soyez particulièrement sensibles aux questions qu’ils commencent d’abord au travail. S’il y a plus d’une ou deux questions, arrêter et clarifier les choses pour toute la classe. S’il y a des démarreurs lents, assurez-vous qu’ils comprennent, mais laisser le temps de penser, d’expérimenter, de planifier, et le temps de regarder plus d’une option.

        7. MAINTENIR CONCENTRATION
        Pendant qu’ils travaillent, restez à l’écoute à la classe et penser à des façons de les garder sur la tâche. Les professeurs d’art sentent quand une classe devient hors piste. Les élèves commencent à discuter de leur vie sociale et d’autres sujets qui ont rien à voir avec le problème à la main.

        Une série de questions ciblées mais ouvertes peut amener les étudiants de retour sur la tâche. Les bonnes questions ouvertes apportent richesse et contenu dans leur travail. "Est-ce que le chien a une odeur particulière? Quelle est la part du chien qui est le plus sombre. le plus lumineux? Comment beaucoup plus ne le corps du chien semble que la tête du chien?" Questions aident la connaissance passive devient une connaissance active et obtient inclus dans l’œuvre d’art. Les questions ouvertes (celles avec de nombreuses réponses possibles) stimulent l’imagination.

        S’ils travaillent directement à partir de l’observation du sujet (le chien est dans la salle), ils seront encouragés à prendre de meilleures observations si l’enseignant se dirige vers le chien et pose des questions sur des aspects spécifiques du sujet. Demander, "Comment ne la hauteur et la longueur de comparer?" tout en plaçant les mains près du sujet pour montrer la hauteur et la largeur. des questions ciblées, mais ouvertes entraînent généralement beaucoup plus riche travail de l’élève. Ils se surprennent par la façon dont ils peuvent faire si elles ont effectivement fait des observations minutieuses. Cela fonctionne avec une personne ou avec tout le groupe. Si plusieurs élèves pataugent à la fois, il peut être plus efficace d’appeler toute la classe à l’attention et prendre le temps de se recentrer.

        Quelles questions auraient pu être posées concernant l’image de tennis montré en haut de cette page? Haut de page

        7a. TRAVAILLEURS EN BREF IMPULSIFS
        Certains étudiants sont impulsifs et se précipitent pour terminer sans donner suffisamment d’attention aux aspects importants du travail. Vous devriez les encourager à développer des produits plus complexes. "Cette partie ressemble vraiment intéressant. Je me demande ce que vous pourriez faire pour rendre cette autre partie aussi intéressante." "Je vois des effets de profondeur agréable ici par la façon dont les couleurs fonctionnent. Voici un peu d’espace vide. Qu’est-ce qui pourrait arriver dans cette zone qui ajoute de l’intérêt?" Un enseignant peut aider ces élèves à devenir plus réfléchie et délibérée en soulevant des questions à penser dans leur travail. Finalement, les habitudes de l’étudiant sera meilleure si l’enseignant est insistante et cohérente. Restez positif, mais continuer à poser des questions. Je remarque que de nombreux étudiants commencent à imiter ce et ils commencent à se poser des questions similaires comme ils travaillent. Ils apprennent à apprendre.

        MOTIVATION – verbal – Je résiste faire des suggestions – J’utilise des questions ouvertes pour soulever des questions pour eux de prendre en compte dans leur travail. Leur plus grand besoin est de penser la pratique. Je ne veux pas prendre ce loin d’eux en fournissant des réponses. J’essaie d’utiliser des questions ciblées. Finalement, ils apprennent à anticiper le type de questions nécessaires pour produire un meilleur art, et ils auront besoin de moins tenir la main. Un bon enseignement leur permet en les aidant à apprendre le genre de questions les artistes utilisent pour améliorer leur propre travail. Quand on me demande pour une suggestion, je demande d’abord ce que l’étudiant a pensé à. Souvent, l’étudiant a déjà une idée ou deux, mais n’a pas été convaincu de l’essayer.

        MOTIVATION – multisensoriel – Il existe de nombreux types de motivation. Je l’ai utilisé invisibles (cachés) des dispositifs de prise de son que la motivation pour la texture. Lorsque lorsque vous travaillez de la nourriture, des fleurs, des plantes, l’odeur et parfois le goût est incorporé dans l’expérience préliminaire. Des études montrent que les élèves qui étudient quelque chose par le toucher créent des illustrations plus riches que ceux qui ne travaillent que de l’observation visuelle.

        MOTIVATION – animaux – animaux vivants suscitent une attention instinctive. Chaque enfant fait attention à un animal à se déplacer. Les visites de terrain dans les fermes, les zoos, etc., sont d’excellents sites pour le dessin et / ou pour poser beaucoup de questions d’observation.

        J’éviter de montrer des exemples de motivation parce que l’imitation est trop facile. Il raccourcis pensée originale. à: Haut de la page

        7b. ÉTUDIANTS DÉLIBÉRÉES ET AUTO-Doutant
        D’autres étudiants sont handicapés par être très lent et délibéré. Ils peuvent être perfectionnistes parce qu’ils ont peur de faire une erreur. Rassurez-les. Ils ont besoin de confiance pour expérimenter des approches expressives. Ils ont besoin d’apprécier l’apprentissage qui vient d’erreurs et de voir comment "accidents heureux" se produire. citrons aigres font grand limonade avec les bonnes additions. Leur donner les moyens en renforçant leur confiance. Ne pas encourager ces étudiants à recommencer à moins qu’ils aient une meilleure idée qu’ils sont impatients d’essayer.

        Ne soyez pas tenté de leur dire que la qualité n’a pas d’importance et ne pas dire, "Je ne suis pas un artiste non plus." Dire, "Je fais souvent des erreurs quand j’apprends quelque chose de nouveau, mais j’aime mes erreurs parce qu’ils me aident à apprendre en soulignant ce que je dois pratiquer plus. Souvent, je ne pas effacer mes erreurs jusqu’à ce que je finisse pour que je puisse apprendre d’eux. Quand je finis, je laisse même quelques erreurs, car ils ajoutent mouvement ou excitation supplémentaire et de la magie à l’œuvre. Parfois, mes erreurs sont la meilleure partie. Parfois, ils me donnent une idée de quelque chose de mieux pour essayer." E les NCOURAGER en soulignant que certaines choses sont seulement appris par la pratique et plus on pratique le mieux ce sera obtenir.

        Trouver la meilleure partie de ce qu’ils ont fait et leur dire pourquoi vous croyez. Ne pas utiliser la louange qui est vide ou général, mais la louange ainsi que des informations spécifiques afin qu’ils puissent en tirer des leçons. Haut de page

        Un accident grave peut justifier un départ plus. perfectionnistes délibérés et auto-doutant peuvent notamment bénéficier d’affectations qui commencent par "accidents intentionnels" qui sont changés en œuvre par des efforts créateurs de l’individu.

        8. PRÉCAUTIONS et COMMENT AIDER QUAND IL EST TROP DUR
        Ne jamais faire tout le travail pour les étudiants. Ne tirez pas sur leurs papiers. Il existe d’autres façons d’aider sans enlever la propriété et de l’autonomisation. Un bon enseignement est de faire la substance dure plus facile et rendre les choses faciles difficiles. mais un bon enseignant ne fait jamais le travail et ne résout jamais le problème pour l’étudiant. Si vous devez dessiner pour illustrer un point, faites-le sur votre propre papier – jamais sur le leur.

        Si elles ont du mal à dessiner ou la modélisation de l’observation, passer à la chose observée et demander en détail ce qu’ils voient. Si plus est nécessaire, expliquer en détail ce que vous voyez. Si elles travaillent de l’imagination ou de la mémoire, utilisez des questions détaillées pour les aider à se rappeler et à valoriser leurs propres expériences passées. Encourager le mot difficile à la place de trop dur. Haut de page

        Évitez les affectations pour lesquelles ils ont pas de cadre de référence raisonnable. les enfants Amish ne devraient pas avoir à faire de l’art sur les personnages de la télévision. En écoutant les conversations des étudiants, apprendre leurs véritables intérêts. sujets de base sur leurs intérêts, leurs expériences, et ce qui peut être observé dans ou près de la salle de classe. Cliquez ici pour consulter la liste de décisions et d’autres façons de générer des idées.

        Quand un élève a peur d’essayer quelque chose, leur donner du papier supplémentaire sur lequel faire plusieurs expériences ou à la pratique sur. Les artistes font souvent des expériences, la pratique et la recherche avant de se sentir prêt à l’essayer dans leur travail réel. Bien sûr, les artistes travaillent selon de nombreux styles et des stratégies différentes et certains d’entre eux veulent tous l’expressivité des erreurs et des faux départs à rester en tant que preuve du processus de création. Pour un expressionniste abstrait (action peintre) une grande partie de la signification et le sentiment du travail serait perdu si elles pré prévues ou pratiquées, mais pour la plupart des styles d’art, il est courant de pratiquer ou de faire des croquis en avance sur le travail réel. Haut de page

        9. ENDINGS SIGNIFICATIFS – faire c riticism p leasant
        Discus le travail fini comme un moyen d’affirmer les efforts des étudiants et de revoir les notions apprises. Soyez juste et inclusive. Les critiques qui sont l’aide positive et découverte basée produisent une grande culture de l’apprentissage de l’art de studio. Tout le monde peut répondre à la question, "Que remarquez-vous en premier?". mais pas tout le monde peut Explique les raisons pour lesquelles ils remarquent quelque chose d’abord dans une composition. Demandez-leur de pratiquer l’analyse et l’interprétation des travaux. Exiger des commentaires qui spéculent sur les raisons de nous remarquons d’abord quelque chose. Aidez-les à apprendre à analyser les effets de la couleur, la taille, la luminosité, l’unicité, la matière, et ainsi de suite.

        Interprétation désigne les significations et les sentiments vus. Nous pouvons demander des idées pour des titres. Nous pouvons discuter des raisons visuelles pour les significations et les sentiments observés. Celui qui a créé l’œuvre peut vouloir verbaliser à ce sujet, mais j’essayer de retarder jusqu’à ce que d’autres ont une chance de répondre. Nous devons en apprendre davantage sur la richesse des significations et des sentiments qui sont possibles dans un contexte de groupe.

        Ne jamais laisser les commentaires de jugement comme, "Je ne vois pas pourquoi quelqu’un serait utiliser cette couleur pour. " En commentant sur une faiblesse perçue permettra aux questions que neutres afin de l’artiste étudiant peut être invité à expliquer plutôt que de défendre un choix. "Peut-on parler un peu sur les effets que cette couleur est la production? Qui peut nous donner une idée?" Encadrer les questions en termes non-jugement. Utilisez des questions de sensibilisation, de ne pas déclarer des erreurs. L’art est une recherche. Critique fait des découvertes.

        Un temps llow pour inclure chaque travail ou adapter un système équitable qui inclut tout le monde au sein d’une série de leçons. Insister sur le positif et utiliser des questions pour obtenir discussion. Profitez des possibilités d’apprentissage. Certaines situations peuvent fonctionner mieux si cela se fait en petits groupes. Cela pourrait commencer lorsque les quatre à six premiers élèves de compléter un projet. Chaque fois que quatre à six élèves terminent, un autre groupe de discussion est formé. formes écrites peuvent également être utilisés à la fois. Haut de page

        Aider les élèves à apprendre à la question, comment décrire, comment analyser, et les encourager à spéculer sur les significations possibles (interprétations) et des sentiments dans le travail de chacun. Nous devons les aider à apprendre à être attentifs aux téléspectateurs et les critiques que l’empathie les uns avec les autres et leur travail, leurs idées et leurs sentiments. L’un des principaux objectifs de la critique est de trouver, de reconnaître et d’exploiter les découvertes dans le travail. L’objectif secondaire est de cultiver une culture positive et de meilleures compétences relationnelles. Studio illustration est une recherche de l’art. Si nous sautons la critique. nous risquons de rater la moitié de l’apprentissage.

        10. CONNECTIONS DE FERMETURE
        Concernant ce projet à leur monde et le monde de l’art.

        Ceci est un moment idéal (après qu’ils ont fait leur travail de création) d’introduire l’art d’une autre culture, en particulier si la leçon a été prévu de mener à la hauteur. Encouragez-les à voir les similitudes et les différences. Encourager la spéculation sur le sens et le symbolisme. Ceci est un lien vers un essai sur l’enseignement de l’art créatif multiculturel.

        Votre stratégie de planification de la leçon commence souvent en pensant à la partie de fermeture de la leçon. Quelles sont les activités de création seront mieux construire un cadre de référence pour cette expérience? Que voulez-vous les étudiants à prendre avec eux de l’expérience? Tout comme un rituel de début peut aider à se concentrer et le centre de l’attention de la classe, un rituel de fin donne un sens et de la pertinence qui est si vital pour l’apprentissage. Ce lien est un rituel de début qui comprend une connexion de fin de l’histoire de l’art.

        Ceci est aussi un bon moment pour poser des questions sur les moyens qu’ils vont maintenant remarquer les choses différemment lorsqu’ils quittent la salle d’art en raison de la leçon qu’ils ont travaillé aujourd’hui. Sera-t-il changer la façon dont ils voient les couleurs? Quelles seront les nouvelles choses qu’ils remarquent dans leurs expériences quotidiennes?

        Aide à trouver des artistes sur le web et en utilisant leurs images
        Comment épeler et à prononcer le nom des artistes Pour revenir ici, utilisez votre Arrière bouton (en haut à gauche sur votre navigateur). Ceci est un lien hors site à Artlex. Droit d’auteur 1996-2002 Michael Delahunt. Une fois que nous avons le droit orthographe du nom d’un artiste, nous pouvons trouver des exemples en utilisant un moteur de recherche comme google.com.
        En utilisant des images d’œuvres d’art protégées – quand vous arrivez à ce lien, faites défiler vers le bas dans le cadre de gauche et cliquez sur droits d’auteur. Pour revenir ici, utilisez votre Arrière bouton (en haut à gauche sur votre navigateur). Ce site donne l’explication de ce qui est légalement autorisé dans la salle de classe. Ceci est un lien hors site à Artlex. Droit d’auteur 1996-2002 Michael Delahunt. Haut de page

        11. LICENCIEMENT AVEC USAGE
        Nous avons une chance d’améliorer les esprits des étudiants et des habitudes de pensée en faisant au moins une de ces choses au moment de licenciement.

        1. Passez en revue les principaux points et le vocabulaire d’aujourd’hui.
        2. Parlez de leçons prévues pour l’avenir.
        3. Inviter des idées pour les futures leçons d’art.
        4. Posez des questions ouvertes d’art à penser.
        5. Dites ou montrer une blague art.
        6. Offre pour leur montrer un truc de gymnastique si elles sont plus calmes prochaine fois.
        7. Les étudiants sont affectés choses à regarder et rechercher dans leur vie.
        8. Les étudiants sont renvoyés avec leur subconscient créer activement des solutions imaginaires à des problèmes d’art prévus à l’avenir.
        9. Les étudiants sont renvoyés la formulation de nouveaux problèmes de l’art de travailler.
        10. Les professeurs d’art attendent les étudiants à venir à la prochaine session avec de nouvelles entrées de journal et de nouvelles esquisses de ce qu’ils ont vu et imaginé.

        Les artistes ne sont jamais loin de les devoirs de l’œil et l’esprit. Nous rêvons d’art à la fois dans la nuit et dans nos rêveries. Nous esquissons et revue ces idées riches de sorte que lorsque nous obtenons finalement à entrer dans le studio, les idées se forcent sur la toile ou dans l’argile. Les professeurs d’art comprennent et trouver des moyens d’inculquer à leurs étudiants des façons artistiques de voir et de penser à toute la vie.

        Vous pensez peut-être, "Ceci est trop à faire dans une leçon d’art." Un exemple Leçon avec toutes les parties est à ce lien.

        Lorsque les élèves sont engagés de façon significative dans l’apprentissage, pour poursuivre des projets de semaine en semaine ou d’une session à ne constitue pas une perte de temps. Le cerveau qui peut penser à des idées si nous préfigurent les questions avant la leçon, peut aussi imaginer de nouvelles idées et de meilleures alternatives à essayer. Le temps entre les séances de travail permet à l’hippocampe (le subconscient) de penser à de nouvelles idées. Les artistes continuent souvent leur travail de session en session. Quand les élèves font des choses sur eux-mêmes, lorsque les enfants trouvent but, voir la maîtrise et l’autonomie de l’expérience dans l’art, ils ont souvent une période beaucoup plus longue de l’attention pour les illustrations que pour d’autres études. Des études montrent que nous pouvons utiliser œuvre comme un moyen d’allonger la durée d’attention (Posner, 2010). Trop souvent, l’art a été une perte de temps, car il a été seulement enseigné en tant que "activité pour les mains" résultant en des produits pour la décoration au mieux, mais sans l’apprentissage de l’art en tant que discipline et sans propriété des idées par ceux qui l’a fait. Certains enfants apprécient, mais d’autres trouvent le travail ennuyeux occupé.

        Si possible, prenez le temps d’enseigner toute la leçon en continuant une leçon sur plusieurs sessions. Pensez-y comme un unité si cela aide. Ceci est une bien meilleure option que de laisser les parties significatives. Vous pouvez répéter les rituels d’ouverture au début de chaque session, et inclure une brève revue avant chaque session. Haut de page

        Si le temps global est un problème réel, envisager la planification de moins de leçons plutôt que de sauter des possibilités d’apprentissage significatives. La longueur du temps que nous passons sur chaque sujet ne fait pas toujours sens. Il peut simplement être le résultat de la tradition plutôt que la recherche de sens. Les matériaux nécessaires:

        La meilleure façon de renforcer la confiance est de faire les activités et vous-même les projets avant d’enseigner la leçon. Il est facile de savoir ce que sont nécessaires des matériaux quand vous le faites vous-même. Je me suis souvent fait d’importantes découvertes tout en faisant cela. Faites une liste des matériaux que vous les utilisez.

        Tout en travaillant, prendre des notes sur des questions essentielles à poser pour obtenir les élèves à réfléchir et à les garder concentrés pendant qu’ils travaillent. Le faire est un excellent moyen d’être sûr que tout dans prévu. Abstenez-vous de montrer ce travail jusqu’à ce que les élèves ont eu la chance de faire leur propre pensée.

        Qu’apprenons-nous de la planification et de l’enseignement de cette leçon?

        L’enseignement est pratique. Chaque expérience est une chance aller mieux. Prenez des notes de succès et les lacunes. Comme dans toute compétence, nous cherchons à tirer le meilleur parti de nos points forts et de tenter de remédier à nos faiblesses. Si je demande à un candidat du travail d’enseignement au sujet de son / ses erreurs, je l’espère une réponse qui répertorie de nombreuses erreurs, mais aussi beaucoup de choses améliorées en raison d’être en mesure de reconnaître des erreurs d’enseignement. Si un enseignant dit, "J’ai eu quelques mauvais résultats, mais ce ne fut pas ma faute. Les étudiants ont été tout simplement une mauvaise journée." Je hésite à embaucher ce professeur.

        Prochaines étapes: Haut de page 1. Les résultats de cette leçon peuvent vous aider à évaluer les besoins et de planifier des élèves pour l’apprentissage de suivi approprié. idées Liste de leçon maintenant plutôt que d’attendre jusqu’à l’année prochaine lorsque la mémoire a disparu. Quels changements pourrait mieux fonctionner?

        2. Mettez-vous en note de répéter les meilleures parties de la leçon prochaine fois que vous enseignez.

        3. Faites une liste d’idées pour essayer d’améliorer une partie de la leçon ou de l’expérience qui semblait loin d’être idéale. Il est souvent utile de discuter de ces questions avec les enseignants succès avec des expériences similaires. les enseignants qui réussissent à cultiver des amis qui sont positifs, créatifs et utiles les uns aux autres. Haut de page

        Contour
        (La version courte) Les pièces de leçon devrait être enseignée dans l’ordre suivant:

        • distribuer des fournitures (éviter des perturbations plus tard)
        • examiner et présenter le travail d’aujourd’hui
        • pratique tout ce qui peut être nouveau avant qu’ils sont invités à faire preuve de créativité avec elle
        • présente mission principale, motiver, utiliser des questions ouvertes
        • le temps de l’étudiant sur la tâche – recentrer si nécessaire – utiliser des questions ouvertes
        • discuter des résultats pour examiner ce qui est appris et ce qui a été découvert
        • terminaisons et les connexions (discuter l’histoire de l’art connexe et de l’art dans leur vie)

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